EL INMORTAL CARLOS HUERTAS GOMEZ "EL CANTOR DE FONSECA"

Por: Eddie José Daniels García

Casi cinco décadas han transcurrido desde que el nombre de Carlos Huertas Gómez quedó grabado con tinta indeleble en las célebres páginas de la música vallenata. Corría el decenio de los años setenta y el país se aprestaba a culminar el último período del Frente Nacional, el convenio bipartidista que se había iniciado en 1958 como estrategia de la hegemonía liberal-conservadora para turnarse el poder durante un período de dieciséis años. Alfonso López Michelsen y Alvaro Gómez Hurtado, los dos grandes herederos de los fantasmas oligárquicos de la nación, se encontraban en plena campaña proselitista, pues cada uno aspiraba y se sentía con méritos de sobra para suceder a Misael Pastrana Borrero y convertirse así en el nuevo huésped del Palacio de San Carlos, en ese entonces, sede de la Presidencia de la República. En el ambiente costeño, el cantante Jorge Oñate González quien ya gozaba de una fama singular como vocalista del conjunto de los Hermanos López, había anunciado el lanzamiento del long play número seis para culminar el año, y, como era de suponerse, la fanaticada costeña esperaba con inmensa expectativa el anunciado acontecimiento.

En efecto, el suceso no se hizo esperar y en el último trimestre de 1973 apareció el elepé titulado “El cantor de Fonseca”, y fue poco lo que faltó para que mucha gente enloqueciera de emoción ante el impacto producido por la belleza de las canciones. Recuerdo con bastante nostalgia que todas las emisoras de las Costa demoraron semanas promocionando el disco y sus locutores hacían énfasis en los títulos y autores de las composiciones. El álbum, surtido con doce temas, entre los que sobresalen “El contrabandista” de Sergio Moya Molina, “Palabras al viento” de Santander Durán Escalona, “El compadre” de Luciano Gullo Fragoso, “No voy a Patillal” de Armando Zabaleta Guevara, “Razón y olvido” de Emiro Zuleta Calderón y “Hermosos tiempos” y “El cantor de Fonseca” de Carlos Huertas Gómez, fue, a todas luces, el espectáculo de fin de año y era común ver a la gente tarareando y entonando las letras de las canciones. Según la crítica especializada en música vallenata y, también según los comentarios del común, “El cantor de Fonseca” fue el mejor álbum interpretado por Jorge Oñate durante el tiempo que estuvo como cantante del  recordado conjunto de  los Hermanos López.

Sin embargo, como se trata de crearles una jerarquía a las canciones, la cual está relacionada directamente con la trascendencia de las mismas, no vacilo en afirmar que las composiciones más representativas de este long play fueron “No voy a Patillal” y “El cantor de Fonseca”. Y en los acetatos tradicionales, cada uno aparecía al comienzo de las respectivas caras A y B, y también como in illo tempore aún no existía el rayo láser y solamente se utilizaban tocadiscos de aguja, éstos dos eran los que más se rayaban, no sólo por ser los primeros, sino por ser los que más se escuchaban. Y, como era lógico, la fanaticada se veía en la obligación de tener que comprarlos constantemente.  “No voy a Patillal” es un hermosísimo paseo de fondo elegíaco, autoría del cantante y compositor villanuevero Armando Zabaleta, fallecido el 10 de junio de 2010, inspirado en la muerte de Freddy Molina, el joven compositor patillalero, autor también de hermosas piezas, como “Los novios”, “Amor sensible” y “Tiempos de cometa”, quien, en unos hechos confusos y lamentables, fue asesinado en su pueblo natal el 14 de octubre de 1972.

Por su parte, “El Cantor de Fonseca”, es, sin lugar a dudas, la composición más trascendental de Carlos Huertas Gómez. Es una pieza costumbrista de corte autobiográfico, donde el autor narra su trayectoria vital, desde el nacimiento hasta su edad madura, convertido ya en un famoso guitarrista. Para iniciar la narración, el autor recurre a una pregunta impersonal, la cual encierra varios atributos: “Alguien me dijo de dónde es usted / que canta tan bonito esa parranda / si es tan amable tóquela otra vez / quiero escuchar de nuevo su guitarra”. Y la pregunta sigue su curso, ahora con una afirmación imprecisa: “Óigame compa usted no es del valle / del Magdalena ni de Bolívar / pues se me antoja que sus cantares / son de una tierra desconocida”. Frente a la inquietud interrogativa, el autor responde cortésmente: “Y yo le dije si a usted le inspira / saber la tierra de dónde soy / con mucho gusto y a mucho honor / yo soy del centro de la Guajira”. Sigue un espacio musical, matizado con las notas tiernas y melodiosas de Miguel López, que perfuman el ambiente y cautivan la atención de todos los oídos que las perciben.

Más adelante, el autor continúa narrando su origen de manera magistral: “Nací en Dibuya, frente al mar Caribe / de donde muy pequeño me llevaron / allá en Barranca me bautizaron / en toda la Guajira me hice libre”. En estos cuatro versos realiza un recorrido fugaz desde el momento en que nace hasta gozar de  la plena libertad, personal e ideológica, que le brindan los pueblos de la Guajira. Y sigue ahora destacando los músicos más reconocidos de la región, que él conoció, seguramente, siendo muy joven: “Yo vi tocar a Santander Martínez / a Bolañito, a Francisco “El Hombre” /  a Lole Brito, al señor Luis Pitre / los acordeones de más renombre”. En la estrofa siguiente, hace énfasis en el bellísimo pueblo guajiro que lo acogió, lo adoptó como hijo natural y, más tarde, le sirvió de numen poético para crear la composición: “Soy de una tierra grata y honesta / la que su historia lleva mi nombre / yo soy aquel cantor de Fonseca / la patria hermosa de Chema Gómez”. Con esta definición, el pueblo epónimo, quedó enmarcado con letras de oro en los anales imperecederos de la música caribeña. Entran ahora, a manera de concierto, las sensibles notas del acordeón miguelopista, que coherentes con los bajos, producen en los oyentes un inefable deleite emocional.

Como epílogo de la composición, el autor hace un salto al pasado para retornar a la juventud y evocar algunas vivencias de esos años: “Viví en un pueblo chiquito y bonito / llamado Lagunita de la Sierra / del que conservo recuerdos queridos / emporio de acordeonistas y poetas”. En estos versos, el uso de los diminutivos iniciales, tienen una connotación paradójica, pues se contraponen con la magnitud del último verso, simbolizada por la palabra emporio. Y para reforzar su apreciación, otra vez recurre a los nombres de reconocidos personajes, presentándose ya como cantante: “Allí toque con Julio Francisco / con Monche Brito y con Chiche Guerra / y conocí bien a Bienvenido el que compuso a Berta Caldera”. Y en el cierre de la narración, para enfatizar en su autoría y en su origen, nuevamente utiliza  la identificación personal, ahora con el nombre propio y el apellido, una costumbre muy peculiar de los juglares vallenatos, que define acertadamente el espíritu romántico que los caracteriza: “Ya me despido, soy Carlos Huertas /  doy mi apellido y nombre de pila / yo soy aquel cantor de Fonseca / y soy nativo de la Guajira”.

También, gran parte de la vida de Carlos Huertas Gómez se refleja en la composición “Hermosos tiempos”, el otro paseo de tono costumbrista que fue incluido en “El cantor de Fonseca”. El título evoca los años mozos del autor, trascurridos en esa hermosa región guajira, ennoblecida por la fragancia del paisaje natural. La descripción es fantástica en unos versos de impecable factura: “Yo me crie en una región / de verdes cañaverales / de gemidos de trapiches / y relinchos de caballos / y de muchachas bonitas / cual tardes primaverales / tierra alegre de acordeones / de fiesta y riñas de gallos”. En  la estrofa siguiente, el autor  manifiesta la nostalgia y el sufrimiento que le producen  recordar los tiempos pasados: “En el Fonseca de ayer / yo veo lleno de contento / cantar sus lindas mujeres / sus canciones provincianas, / es difícil olvidar / aquellos hermosos tiempos / cuando suelo recordarlos / me duele y suspira el alma”. Todo el disco se sublimiza con las notas sensibles y penetrantes del acordeón, sobre todo, en los intermedios estróficos, donde se aprecia ampliamente el arte y la magia de Miguel López para manejar el instrumento en todo su esplendor.

La pintura topográfica continúa en la tercera estrofa, matizada con el presagio del autor, que, lleno de sentimiento, ilumina su mente con las figuras del pasado: “Pero como todo acaba / presiento que la belleza / de esa tierra se acabó / con su cardón y su tuna. / Porque en esos bellos tiempos / se me antoja que en Fonseca / anunciaba un acordeón / la salida de la luna”. Luego, en la última estrofa, sigue evocando, de manera irónica, las costumbres antiguas y cierra la evocación con una frase certera y enfática: “Ya no se escuchan trapiches, / ni caballos, ni acordeones, / ya no cantan sus mujeres, / en noches plenilunares, / ya no canta Raúl Parodi, / ni Vásquez, ni Chema Gómez / que cantaron la belleza / de esta tierra inolvidable. Y para que la canción resulte más atractiva, se repiten, a manera de coro, los cuatro últimos versos de cada estrofa, artificio que, significando una especie de eco, le imprime una factura extraordinaria a la composición. Este recurso melódico resulta ejemplar, obedeciendo a la métrica octosilábica de los versos,  la medida tradicional, que facilita la vocalización y  es la preferida por casi todos los compositores.

La vena artística o más bien el talento musical de Carlos Huertas Gómez le viene por línea directa. Aunque, podemos afirmar también que esta disposición, en parte, es el fruto de sus andanzas por diferentes lugares de la Guajira, donde tuvo la oportunidad de conocer a muchos cantantes famosos y nutrirse con las vivencias adquiridas en esos entornos. Su abuelo, Atinio Huertas, fue un reconocido guitarrista, amante de la música vernácula, que alcanzó a dirigir algunas orquestas en Riohacha. Su padre, Carlos Modesto Huertas, además de sus oficios rurales, fue un personaje prolífico en el arte musical: tocaba tiple, guitarra, flauta, y mostraba poco afecto por el acordeón. Gozaba de mucha simpatía y con frecuencia realizaba recorridos por los pueblos y veredas de los alrededores, exhibiendo su destreza el dominio de estos instrumentos. Siendo muy niño, Carlos, el hijo, admiraba el talento de su padre, e imaginaba tocar la guitarra con la misma precisión. Así, creciendo en este ambiente, fue cimentando su afecto por la música, el cual comenzó a desarrollar muy joven, y complementó con su otro placer natural:   realizar correrías y viajes permanentes.

Y, obviamente, fue su espíritu viajero el que lo llevó desde muy joven a abrirse paso por el mundo. Sólo contaba dieciséis años cuando se trasladó a Venezuela, país que por la cercanía con la península de La guajira siempre ha sido una atracción para los habitantes de esta región colombiana. Allá residió varios años y alcanzó a realizar algunos estudios de música, que le resultaron fructíferos y le incentivaron la motivación en este campo. Fue entonces cuando sintió el ímpetu de componer boleros, joropos, pasillos, bambucos, porros, paseos, merengues y otros aires de música la colombiana.  Tras su retorno a Colombia, vivió por unos años en la vereda Lagunita de la Sierra y este fue el lugar que le sirvió de epicentro para realizar sus escalas vivenciales en Papayal, Fonseca, Barrancas, Hatonuevo, Distracción, El Molino, Villanueva, Manaure y otras poblaciones de los alrededores. Su tránsito por estos lugares fue honrado y santificado con la composición “Tierra de cantores”, la cual sirvió de título a un elepé, el número 11, de los Hermanos Zuleta, grabado en 1978.

“Tierra de cantores” es un extraordinario paseo estructurado en tres décimas de metros perfectos que describen de una manera magistral el ambiente que se percibe en Fonseca cuando se celebra el “Festival del retorno”, en el cual se dan cita las distintas generaciones de compositores y cantantes nativos de esa región.  La entrada dice: “Hoy se nota en la floresta / un ambiente de alegría / y el rumor del Ranchería / es más dulce y sabe a fiesta. / Claro, si es que está en Fonseca / el pueblo y San Agustín / conmemorando el festín / de esta tierra de cantores / en donde los acordeones / saben llorar y reír”. La estrofa siguiente se refiere a los asistentes y participantes: “Hoy se encuentran los retoños / de viejos compositores / surgirán composiciones / como frutos en otoño. / Y en este nuevo retorno / por lo que se trata y dice / los recuerdos de Luis Pitre / enmarcados en lontananza / crecerán con la esperanza / de un pueblo que lucha y vive”. La estrofa final cierra con una aclamación sincera del autor: “Y ya al llegar el ocaso / que los eventos definen / Se ven Pitres y Martínez / sellados en fuerte abrazo. / Hijos nobles de este canto / que es propio de Carlos Huertas / deja una nota en la fiesta / de sentimiento leal / porque viva el festival / que es orgullo de Fonseca”.

Aunque la producción musical de Carlos Huertas Gómez no es tan copiosa como las de otros compositores, la mayoría de sus canciones, sobre todo, las que fueron grabadas, consagran una imagen significativa para la música vallenata.  Bellísimas composiciones, aparte de “El cantor de Fonseca” y “Hermosos tiempos”, como “Abrazo guajiro” y “Buena parranda”, dos retratos costumbristas de la idiosincrasia peninsular, “Que vaina las mujeres” y “Lindo vergel”, fueron inmortalizadas por Jorge Oñate y Colacho Mendoza. Por su parte, los Hermanos Zuleta, también se lucieron interpretando, además de “Tierra de cantores”, los paseos, “La casa”, “Después de pascuas”, “Lola la negra” y “Tierras del Sinú”. Beto Zabaleta se destacó en la vocalización de “Orgullo guajiro” e Iván Villazón hizo lo mismo con los paseos “Las mujeres” y “La biblia”. Otros recordados cantantes, como Elías Rosado, Freddy Peralta, Marcos Díaz y Miguel Herrera, sólo fueron  aficionados a   interpretar  sus canciones, pero sin grabarlas. Por razones desconocidas, dos vocalistas famosos, como Rafael Orozco y el popular “Cacique de la Junta”, no figuran como intérpretes de sus composiciones.

Finalmente, también me es oportuno y lamentable anotar, que la vida de Carlos Huertas Gómez no fue tan longeva como las que vivieron otros compositores, que ha sido extensa, y han superado la edad octogenaria. “El cantor de Fonseca”, como se le conoce desde que compuso la canción, falleció prácticamente joven, sin cumplir aún los 65 años de edad. Había nacido en Dibuya, frente al Mar Caribe, como él lo manifiesta en su canción estelar, el 21 de octubre de 1934, y falleció en Maicao, lejano del mismo mar, el 18 de septiembre de 1999. Esta ciudad fue la última que engrosó en la lista de sus correrías por pueblos y veredas.  En ella vivió sus años postreros, al lado de sus cuatro hijos y su esposa Leila Larios, quien le sobrevive actualmente. No obstante, considero que Carlos Huertas, sin el apellido materno, como él solía identificarse, no ha muerto y aún pervive entre nosotros. Porque, cada vez que escuchemos sus canciones, en particular “El cantor de Fonseca”, “Hermosos tiempos” o “Tierra de cantores”, su nombre se repetirá con entusiasmo, y hará sonreír los rostros de todas las personas que lo valoramos y fuimos sus admiradores.

EL VALLENATO NO ES CUALQUIER COSA: ES ASUNTO DE AMOR

Por: Edgardo Mendoza Guerra 

En un encuentro en Valledupar, un grupo de importantes y reconocidos intérpretes y creadores vallenatos de variadas tendencias y escuelas, debatieron el palpable olvido en las programaciones de radio y eventos públicos, incluso en los distintos festivales y homenajes, que al final dejaron quieto.

Como resumen, aceptaron que la falta de poesía actual es una de las causas de la degeneración del vallenato. Otros lo llaman distinto, la UNESCO propone salvación o conservación, la discusión será de palabras, ciencias de filólogos, semiólogos, y lingüistas, sobre todo estos últimos. Y tienen razón en eso del idioma: el lenguaje es vivo, cambiante, pero la poesía, si debería ser eterna.

Desde tiempos del vallenato rural, acordeoneros, juglares y cantores, han cantado al amor y mil veces a la cosa de las mujeres, pero con una sutileza inteligente, pícara y sencilla. Amor elemental y ganas de aquello sin tantas palabras o al menos con palabras sinvergüenzas o groseras. Impúdicas, libidinoso, o libertino, dirían los académicos.

Los romanos en el Derecho llamaron “Cosa”, en el campo privado, y corresponde al objeto de la relación jurídica, que puede ser un bien, un derecho o incluso una obligación, en la que intervienen personas, siendo éstas los sujetos de tal relación.

Sobre las cosas recaen los distintos derechos reales (por ejemplo, la propiedad). Además, la cosa puede ser objeto de posesión, siendo éste un hecho fáctico de gran importancia jurídica. Fáctico, no fálico… ¡Ojo!

La Cosa en el derecho tiene clasificaciones, dependiendo siempre de su relación con personas o situaciones, según su naturaleza física, su naturalidad, movilidad, utilización, incluso su apropiabilidad, por eso el amor viene de Roma, tanto que tiene la misma lectura, pero al revés.

Los cantores vallenatos, desde tiempos inmemoriales le han cantado a eso, a la cosa, pero de manera distinguida y amorosa, lo que no hacen los regaetoneros que van al grano, sin más poesía. El serrucho, la tabla, la tanguita roja, húndelo todo, por decir algo.

He aquí, una pequeña muestra de nuestros autores en el tema. A la inspiración por la cosa femenina por supuesto!

Lino J. Anaya, en su canción “La cosita aquella” decía en sus versos a una enamorada: “Dame la cosita negra, negra dame tus amores, no dejes que yo me muera pa´ después llevarme flores… Lino no era abogado, estaba pidiendo algo, no en los estrados sino en su derecho a pedir lo legal y natural.

El mismo autor, en obra interpretada por los Hermanos Zuleta decía: “Negra yo he sabido que te casas, ombe y eso si me da dolor, recuerda tu cofrecito e plata, ve que ya perdiste lo mejor, piensa lo que vas a hacer muchacha, tu llevas la huella de mi amor, la luna si sabe dónde está, ella sabe lo que tú has perdido, dicen que fue en la orilla del mar, donde dejaste tu cofrecito, yo sé que tienes que regresar, puede abandonarte tu marido”. Y Poncho Zuleta agrega: ¡Quizás donde quedó ese cofrecito!

En aquellos tiempos, diciembre era la fecha buena para contraer matrimonio, de manera que el poeta vallenatero Don Tobías Enrique Pumarejo en su “Víspera de año nuevo” cantaba alegre: “Primera noche de enero yo me felicité bien, ella dijo vámonos ligero que te quiero complacer”. Y claro, era complacer con la cosa, dijo años después el autor. No había que decirlo, se suponía.

Emiliano Zuleta Baquero en referencia a esas jugadas del amor antiguo, una especie de kamasutra vallenato simplemente dijo: “Si voy arriba es la misma pendejá, y si voy abajo, es la misma pendejá”. Se refería al uso de la cosa, según su disponibilidad.

Juancho Polo, cantador del Magdalena Grande en unos de sus versos decía: “Pantaloncitos calientes suben la temperatura, lo que le gusta a la gente, la pura sinverguenzura”, para la época las féminas por la moda dejaban ver sus muslos felices en las playas y en las calles.

Con la fama por sus cantos, las mujeres llegaban al maestro Polo Valencia, a darle lo que los hombres buscamos todo el tiempo, el amor. Entonces cantaba: “La gallina de Ramona que gallina tan traviesa, en busca de mi paloma, pero no la deja quiera, sió sió mi pobre paloma, sió sió ya ni se asoma… Cualquier costeño sabe, desde pequeño, que el pipí de los niños le decían paloma. Eso de pajarito vino después.

Emilianito Zuleta Díaz, hace algunos años en su canción “Mañanitas de invierno” en una frase con llovizna incluida, dice a su amada: “Vamos pa´ dentro que nos vamos a mojar, para que estemos bien solitos y así yo entregarte mi cariño y para que tú te sientas más mujer”. Es hasta ahora, dicen ellas, la forma más sutil y romántica de pedir la cosa. Ahí si aplicando el derecho de uso y goce, con la apropiabilidad que las leyes del amor indican.

El filósofo y poeta Mateo Torres, cantó lo que las mujeres andinas traducen como lo máximo en romanticismo para recordar la cosa, en la canción “Lleno de ti” grabada por El Binomio de oro.

“En cada gota de sangre que tengo cabalga un recuerdo, cada recuerdo motivo sincero para quererte más, en todo sitio de mi cuerpo siento que algo de ti llevo, tu formas parte del grande tesoro de mi intimidad, eres mi hoy mañana ayer, el corazón de mi ansiedad...

El corazón de mi ansiedad, qué nombre tan subliminal y delicado para la cosa.

Fernando Meneses poeta nacido en un pueblo con nombre atrapadoramente soñador; La Gloria (Cesar), no podía salir con otro antojo en un verso después de descubrir la cosa y dijo en su canción: “Quise manchar tu alma”.

“Recuerdo lo bello del momento, mis labios con los tuyos rozaban, y al sentir que era  fuego tu cuerpo como un pez asustado escapaba”.

Tiempo después, ya atrapado por el amor, no tuvo más remedio que estudiar medicina y especializarse como ginecólogo pues la “cosa” le había apretado el pecho para siempre. Poesía y ciencia juntas por la misma cosa.

Rosendo Romero, uno de nuestros románticos por excelencia, también abrigó su musa en alguna piel bogotana y escribió en “Cobijas” su canción eterna:

“Recordarás aquella noche que allá en Chapinero, yo te besé y una llovizna mi abrigo mojó, te reclinabas al pino coposo, no se mojaban tus largos cabellos, era aquel pino un sombrero mi amor, y presentí, que esa noche era noche de amor, que por fin yo tendría tu calor, sin saber que me hacías temblar, y me olvidé y olvidado te hice olvidar, que la noche mojaba mi voz, que eran tantas las ansias de amar”.

Si quieren más poesía sobre la misma cosa, ya es pedir pan caliente.

Chema Gómez, clásico autor guajiro dijo: “Anteanoche te vi un piojo y no te lo pude coger, y si te lo vuelvo a ver esta noche te lo cojo, y que te lo cojo te lo cojo sí te lo vuelvo a veee”. Y Claro, es la cosa convertida en ese animalito escurridizo.

“Guayabita pirulera guayaba con tanto aroma, no dejes que otro de huela, no dejes que otro te coma. Rafael Díaz, en la voz de su hermano Diomedes, ve la cosa según su disponibilidad, en divisibles, porque, aún dividiéndose, no pierde su valor. Hablo de la cosa ya convertida en semillas.

El pollo vallenato Luis Enrique Martínez en su canto “La dejó el tren”, canta al pesar de quien pierde algo de la cosa, esta vez con nombre de tiquete de viaje: “Ella dice que no tiene suerte  porque ya el tren la quiere dejar, si tiene preparado el  tiquete por qué no se ha podido embarcar,  el  tren ya la dejó no se pudo embarcá, cerquita le pitó y no sé qué pasará, el tiquete perdió por ser tan descuidá… , alguna cosa le habrá pasado, porque en todos los viajes se queda, será algún pasajero avispado, que le rompió el tiquete a la negra. Ella dice que sí se enguayaba, cuando ve el tren que viene pitando, y también dice que también le da rabia, cuando se ve el tiquete picado…

Como en la clasificación de las cosas, en éste caso se aplican según su utilización, en no consumibles ya que no se agotan con su primer uso. Para algunos juristas insisten en clasificarla, según independencia y accesorias, porque van incorporadas a la cosa principal, pero es tarea de doctrinantes.

Antes que las cosas políticas se pongan de más color, dejemos que el vallenato siga en sus fiestas, es decir en sus cosas, ¡por eso es que Vives!

ALBERTO "BETO" JAMAICA LARROTA: !EL POLLO CACHACO!

Por: Ramiro Elías Álvarez Mercado

La suerte es lo que ocurre cuando la preparación coincide con la oportunidad" (Lucio Anneo Séneca; filósofo, político y escritor romano).

La música se caracteriza por tener un poder transformador y no sólo como una forma de arte, también es una fuerza que enriquece todos los aspectos de la vida; para algunos estudiosos del tema, la música tiene una capacidad, incluso para curar heridas emocionales, psicológicas o espirituales de una forma que ni la medicina puede.

En esta ocasión voy a referirme a un hombre que encontró en la música un desahogo emocional y sentimental que lo llevó a convertirse en acordeonista de la música vallenata: Alberto Jamaica Larrotta, quien nació el sábado 3 de abril del año 1965 en el barrio Belén Egipto de la ciudad de Bogotá, capital colombiana. Llegó a este mundo en el hogar conformado por María del Rosario Larrotta y Pedro Antonio Jamaica, ella una ama de casa y él un albañil, una pareja humilde, trabajadora y de buenas costumbres descendientes de boyacenses, que se encargaron de darle una buena educación, rodeada de mucho amor, cariño y ternura, pero al mismo tiempo con normas, con las que le inculcaron el buen comportamiento a "Beto", como cariñosamente fue llamado desde los pocos días de nacido, y al resto de sus hermanos.

Realizó sus estudios primarios en el colegio Alexander Graham Bell de la ETB (Empresa de Teléfonos de Bogotá) y, luego, ingresó al Instituto de Renovación Educativa donde alcanzó a hacer cuatro años de secundaria, estudios que interrumpió por el embarazo de su primera novia, suceso que lo llevó a hacerse cargo de un hogar a muy temprana edad.

Este bogotano siempre tuvo un gusto especial por la música, de ahí que su primer sueño fue ser cantante de baladas románticas, género musical en el cual se inició a muy temprana edad, escuchando a sus progenitores y hermanos mayores, quienes eran aficionados y seguidores de artistas consagrados de esta expresión musical, tales como: Nino Bravo, Yaco Monti, Nicola di Bari, Roberto Carlos, José Luis Perales, Rafael, entre otras figuras orbitales, que hicieron parte de la banda sonora de su humilde morada. Y de esa forma comienza a destacarse en las clases lúdicas de su colegio y reuniones familiares, animando y complaciendo a las personas de su entorno, quienes lo apoyaban, ovacionaban y aplaudían, algo por lo que se sentía feliz y complacido.

El pequeño "Beto" siempre fue inquieto en cuestiones musicales y con el pasar de los años, por medio de las emisoras radiales que se escuchaban en la fría capital, empezó a escuchar e interesarse por otro tipo de género musical, que era desconocido para él hasta ese momento: la música vallenata, con artistas como Guillermo Buitrago, Alfredo Gutiérrez, Bovea y sus Vallenatos, agrupación en la que se destacaba como vocalista el maestro Alberto Fernández Mindiola, quien se convirtió en un ídolo para Jamaica por la cadencia y la forma tan sentida que tenía para interpretar los cantos vallenatos en guitarra, lo mismo que la decana de las agrupaciones de música tropical en Colombia, Los Corraleros de Majagual que, en su formato, también incluían algunos vallenatos; es decir, que su gusto musical tuvo un giro sustancial y se dedicó a conocer y explorar esta otra música, y, en esas andanzas, conoció a un joven que interpretaba el acordeón llamado Wilson Ibarra y con él conformaron un pequeño conjunto con el que se dieron a conocer en tabernas, bares y  fiestas privadas, en donde "Beto" cantaba.

El filósofo alemán Arthur Schopenhauer dijo: "El destino es el que baraja las cartas, pero nosotros somos los que jugamos" y fue precisamente el destino quien  tenía deparado otra cosa en la naciente carrera musical y artística de Jamaica, debido a que el joven acordeonista de la agrupación tenía serios problemas de medida, cuando tocaba solo se defendía con el instrumento arrugado, pero cuando acompañaba al vocalista se le complicaba ejecutar bajo un patrón de percusión; es decir, se adelantaba, se quedaba y eso hacía que se atravesara, entonces fue en ese momento cuando Jamaica Larrotta "jugó las cartas" y, tratando de corregir a su compañero de fórmula, se interesó y aprendió a interpretar algunas canciones vallenatas de manera elemental en el acordeón, ya para esa época contaba con 20 años de edad pero sin imaginar que terminaría siendo acordeonista de la música vallenata.

Como dice el viejo adagio "al que le van a dar le guardan", su compañero Wilson quien hasta ese momento era el acordeonista del conjunto le tocó trasladarse de Bogotá a Cúcuta y, luego, hacia el país vecino de Venezuela a raíz de la separación matrimonial de sus padres. Es en ese momento cuando el señor José Arnaldo Pedraza, exciclista y dueño de un almacén de elementos de sonido en el que vendía bafles, parlantes, equipos y quien también ejecutaba acordeón, tenía una agrupación aficionada, con la que interpretaban no solo música vallenata, sino también otras expresiones musicales del Caribe colombiano, sobre todo éxitos de los Corraleros de Majagual. El señor Pedraza decide darle la oportunidad de formar parte de la agrupación como cantante y a ratos como guacharaquero, instrumento que había aprendido a tocar de manera empírica años antes escuchando canciones vallenatas en la radio y las seguía con este instrumento de fricción. 

Alberto Jamaica, siempre que tenía la oportunidad, le sacaba melodías al acordeón e interpretaba las pocas canciones que se había aprendido con el instrumento de su excompañero de agrupación y amigo Wilson Ibarra y, en un ensayo con su nuevo grupo, cogió sin permiso el acordeón del señor Pedraza y comenzó a sacarle melodías, detalle que no pasó desapercibido y sorprendió gratamente al dueño del instrumento y el conjunto, quien al escucharlo le dijo de manera directa y sincera que tenía más talento para interpretar esa caja musical de pitos y bajos que como cantante, y le aconsejó que aprovechara ese potencial y lo canalizara para su bien. Fue desde ese momento cuando se decide por completo a la interpretación del acordeón ya que encontró en él y la música vallenata la forma de trasformar sus tristezas en alegrías y convertir este instrumento en su nuevo y mejor amigo.

Con algunos ahorros que tenía fruto de sus presentaciones y el trabajo en construcción que aprendió ayudando a su padre, compró su primer acordeón y se dedicó de lleno a estudiarlo, escuchando y practicando canciones vallenatas las cuales repetía una y otra vez, de una colección de cassettes que incluía a maestros como Alejandro Durán, Luis Enrique Martínez, Alfredo Gutiérrez, Abel Antonio Villa, Emiliano Zuleta, Nicolás "Colacho" Mendoza, Israel Romero, Ismael Rudas Mieles, entre otros. Alberto confiesa que de todos aprendió algo, razón por la cual siente un gran cariño, admiración y respeto por todos esos grandes maestros del acordeón.

Ya con una agrupación propia conformada, más repertorio y habilidades en la ejecución del acordeón, quien se convirtió en un compañero inseparable de luchas y retos, comienza su aventura musical y artística que terminó siendo su profesión y estilo de vida.

En ese trasegar musical con su acordeón al pecho en la que poco a poco se iba ganando más reconocimiento ante los ojos de propios y extraños quienes se admiraban por la forma de tocar y el amor que un hombre nacido a kilómetros del Caribe colombiano le tenía a la música vallenata que incluso sorprendía a los mismos costeños radicados en Bogotá, se ganó el apelativo de "El Pollo Cachaco" tal como se les dice a las personas provenientes del interior del país y lo de "Pollo"  porque fue un título popularizado por el maestro Luis Enrique Martínez "El Pollo Vallenato" quien se destacó por su virtuosismo y versatilidad en la ejecución del acordeón. 

En una taberna bogotana donde el "Pollo Cachacho" oficiaba como músico de planta conoce a un colega acordeonista nacido en Nobsa, Boyacá, Hernando Celis Cristancho, quien ya se había presentado en el Festival de La Leyenda Vallenata, categoría aficionado y había salido Rey en la misma categoría en el Festival Cuna de Acordeones en Villa Nueva, La Guajira y con él entabló una bonita y sincera amistad y es quien lo motiva diciéndole que le veía madera para presentarse en ese tipo de festivales, retándolo para ver cuál de los dos ocuparía una mejor posición en Valledupar, en representación del interior del país. Beto aceptó el reto y comenzó su carrera brillante, arrancando por distintos festivales del Altiplano cundiboyacense, saliendo triunfador en varios y en otros ocupando honrosas posiciones, como en Madrid, Funza y Facatativá (Cundinamarca), Nobsa y Zipaquirá (Boyacá).

Grabó por primera vez unos covers en el año 1991 con el cantante William Bejarano, donde incluyeron los clásicos: 'Sin medir distancia', 'Esa", 'Cómo le pago a mi Dios', 'Muero con mi arte' y un merengue inédito titulado 'El enamorado'.

Realizó una segunda grabación con Gregorio Herrera, posteriormente con el cantante sincelejano Plinio Lugo. Luego, de haberse curtido, preparado, obteniendo bagaje y experiencia en estos festivales y en el campo de la grabación se inscribe en Valledupar con su amigo, colega y retador Hernando Celis, en la categoría aficionado donde ocupó un decoroso octavo puesto y su amigo el catorce y, desde ese momento, se afianzan más los lazos de hermandad entre ellos. Celis se convirtió en un apoyo incondicional en todos los aspectos en su carrera musical, hasta que un cáncer agresivo se lo llevó de este mundo terrenal.

Beto continúa aumentando su trayectoria en festivales, participando y llegando a instancias finales en el Cuna de Acordeones de Villanueva, La Guajira y en el Festival de Acordeones del Río Grande de la Magdalena en Barrancabermeja, Santander.

"El Pollo Cachaco" sostiene que siempre vivirá agradecido de su colega y amigo del alma Hernando Celis, porque fue quien le abrió la trocha como acordeonista del interior del país en los festivales. 

Jamaica Larrotta siempre fue un hombre que perseveró y luchó para ganarse un espacio en este competitivo, y por qué no decirlo, regionalista mundo de la música vallenata, donde, después de trece intentos y habiendo logrado varias semifinales y una final, se corona Rey Vallenato profesional en el año 2006, partiendo en dos la historia del Festival de la Leyenda Vallenata, al convertirse en el primer acordeonista no nacido en el Caribe colombiano en llevarse tan codiciado galardón y con esto honrar la memoria de su colega y hermano de vida.

Los temas que interpretó en la final fueron 'Luz Mila' (Paseo) de la autoría de Poncho Zuleta; El Libre' (Merengue) de Camilo Namén; 

'Amores con mi acordeón' (Son) de Iván Gil Molina y  'Toca cachaco' (Puya) de José Triana.

Alberto Jamaica también se ha destacado en otras facetas musicales como: director, productor, arreglista, compositor, segunda voz, ha participado aproximadamente en setenta grabaciones, fue el encargado de interpretar toda la música en la bionovela "Diomedes Díaz, El Cacique de La Junta" donde tocó alrededor de doscientas canciones, emulando el estilo de los diferentes acordeonistas que acompañaron al gran Diomedes Díaz en su exitosa y fructífera carrera musical, ganando el premio Tv y Novelas a la mejor banda sonora de telenovelas.

Dentro de su carrera musical se destacan grabaciones con Jairo Serrano, Ivo Díaz, Pablo Atuesta, Otto Serge, Edgar Fernández, asimismo con orquestas reconocidas como: Los Alfa Ocho, Los Tupamaros, Los Ocho de Colombia, César Mora y su orquesta María Canela, Carolina Sabino, la agrupación Baracutanga de Nuevo México.

Condecorado dos veces por el Congreso de la República con la orden "Gran Caballero", por su aporte a la música y a la cultura colombiana, se ha paseado por distintos lugares del mundo dejando en alto el nombre de Colombia con un lenguaje musical y folclórico en escenarios de Londres, Canadá, Malasia, Seúl, Sydney, Texas, Nueva York, San José de Costa Rica, Caracas y muchos sitios más.

Como productor musical trabajó con la cantante Guadalupe Mendoza conocida artísticamente como "Lupita Mendoza", nacida en Chihuahua, México y radicada en EEUU, una producción de trece canciones donde hizo los arreglos musicales de cumbia mexicana, bolero, balada, una cumbia de su autoría y un porro del maestro Romualdo Luis Brito López, temas acompañados con su acordeón bendito.

Beto Jamaica es un caudal musical que siempre está activo y sigue haciendo música en sus distintas facetas, ya sea como acordeonista, productor, director, arreglista, cantante o compositor. Recientemente, grabó dos temas con el cantautor Hochiminh Vanegas Bermúdez, un paseo vallenato titulado "En el senderito" y una tambora titulada "Matrona de mi tierra"; fue el productor y acordeonista de cuatro canciones de un trabajo discográfico de seis en donde canta el actual Ministro de Educación Daniel Rojas Medellín, quien se animó a grabar clásicos de la música vallenata, los otros dos temas son interpretados por el maestro Emiliano Alcides Zuleta Díaz, hace pocos días se estrenaron dos canciones de la autoría de Beto Jamaica en donde canta y toca, un paseo vallenato en dedicatoria a un amigo que cumpleaños, titulado 'Una fecha especial' y un merengue, 'Soy parrandero',  próximamente saldrá al mercado un trabajo discográfico en donde Beto participa como director, productor, arreglista, acordeonista y hace voces, un total de 17 canciones vallenatas con contenido poético y literario todas de la autoría del abogado, compositor, guitarrista y cantante tolimense Ángel Asencio, que es una clara muestra de que aún hay músicos que conservan las raíces de esta expresión musical de origen provinciano.

Alberto Jamaica Larrotta, "El Pollo Cachaco", demostró y sigue demostrando que su amor y admiración por la música de la tierra de Francisco el Hombre no tiene límites y que, sin haber nacido en el Caribe colombiano, ha hecho un aporte significativo a la edificación de nuestra música vallenata: un cachaco con alma y corazón costeño.

 

JULIO CESAR ROJAS BUENDÍA, EL DOS VECES REY VALLENATO QUE NO OLVIDO SUS RAICES SABANERAS

Por: Fausto Pérez Villarreal

 “No te me acerques mucho, porque qué tal que ganes y después digan que te di el premio por ser un Buendía”.

Las palabras del entonces recién galardonado Premio Nóbel de Literatura Gabriel García Márquez se quedaron grabadas indeleblemente en la memoria de Julio Rojas, el dos veces rey vallenato fallecido, a los 56 años, de un fulminante infarto de miocardio en la madrugada del lunes 20 de junio de 2016 en su casa, ubicada en la calle 69 con carrera 38B, barrio El Recreo, pleno corazón de Barranquilla.

Gabo le había hablado en el oído, en respuesta a su sigilosa presentación, en una fiesta privada en Valledupar a la que asistieron varios acordeoneros.

“Maestro, mucho gusto, me llamo Julio Rojas Buendía, y soy participante en la categoría profesional”, le había dicho el concursante, extendiéndole la mano derecha.

Era la antesala del Festival Vallenato de 1983, y Julio Rojas, nacido el 29 de julio de 1959 en San Agustín, corregimiento de San Juan de Nepomuceno (Bolívar), iba por la corona tras tres intentos infructuosos.

“¡Nojoda!, con esa respuesta, Gabo me dejó lo que se dice ‘frío’. Quedé paralizado. Lo único que se me ocurrió fue sonreír, bajar la cabeza y perderme de su vista”, dijo Julio Rojas en una entrevista que me concedió a finales de 2014 en el diario Al Día.

En 1980, en su primera participación en el Festival Vallenato, Julio Rojas estuvo cerca de ascender a la cúspide, pero debió resignarse con el segundo lugar, detrás del ‘Debe’ Elberto López, curtido acordeonero, de la dinastía de los López Gutiérrez -de La Paz (Cesar)-, que en 1976 había grabado el inolvidable paseo ‘Tres canciones’, con el entonces mozalbete Diomedes Díaz.

Al año siguiente, Julio volvió a ocupar el segundo lugar en el certamen que tuvo como ganador a Raúl ’Chiche’ Martínez, y en 1982 –seis meses antes de que a García Márquez le otorgaron el preciado galardón en Estocolmo- fue relegado al tercer puesto. La corona quedaría en poder de Eliécer Ochoa.

La consagración de Julio Rojas Buendía sería en 1983, en su cuarta participación consecutiva. Además del autor de ‘Cien años de soledad’, conformaban el jurado calificador el en ese entonces director del diario El Tiempo Enrique Santos Calderón; el connotado compositor Leandro Díaz; el rey vallenato Miguel López y el eminente abogado Rafael Rivas Posada.

A la postre, el indiscutible triunfador del certamen sería Julio Rojas gracias a su fina y remozada nota, que le permitió pasar por encima de ilustres digitadores de la talla de Orangel ‘El Pangue’ Maestre, Egidio Cuadrado, Náfer Durán, Ovidio Granados y Emilio Oviedo.

Danny Castilla, en la caja, y Ramón Bertel, en la guacharaca, acompañaron al diestro acordeonero de Bolívar en las eliminatorias, en la semifinal y en la finalísima. El público celebró frenéticamente su triunfo.

Ocho días después de su coronación, una llamada telefónica sorprendería al nuevo rey, en su casa en Barranquilla. Mercedes Barcha estaba al otro lado de la línea, y le dijo que esperara un momento, que Gabo le iba a hablar.

“¡Eche!, ¿Gabo?, a esta hora, ¡10 de la noche!… Mi sorpresa, alegría e intriga fueron inmensas: Gabo me había llamado para darme las gracias. ‘Pero… gracias por qué, maestro’, le pregunté, ansioso. De inmediato me respondió que yo le había quitado un peso de encima al jurado al tocar muy bien en la final, y así salir del embrollo que tenían en la cabeza con tanto acordeonero bueno participando. “Con tu faena facilitaste nuestro trabajo, pues a nosotros nos convenció de que eras el mejor, y el público quedó contento. Espero que nos volvamos a ver", recordaba Julio Rojas, que le dijo García Márquez.

“A partir de ese triunfo, no solo nació una bella relación de amistad con Gabo, sino que además me convertí en su acordeonero predilecto. Sin exagerar, fueron más de 20 veces las parrandas que animé para él, bien fuera en su casa, en Cartagena, o en otras partes. Las piezas que más le encantaban escuchar eran ‘Jaime Molina’ y ‘La vieja Sara’, de Rafael Escalona; ‘La diosa coronada’, de Leandro Díaz, y ‘Mercedes’, de Adolfo Pacheco. Siempre toqué gratis y con mucho gusto. Solo una vez, Mercedes Barcha, su esposa, me dio dinero contra mi voluntad. En el bolsillo de la camisa me metió un bulto de billetes. ‘Tómalo, no seas bobo. Te servirá para los taxis’, me dijo Mercedes, haciéndome un guiño. Más tarde, en mi residencia, cuando me desvestí, comprobé que me había dado tres millones de pesos”, me dijo Julio Rojas en mayo de 2016, cuando planeábamos una crónica para publicar en la antesala del Festival Distrital de Acordeón que días más tarde la Fundación Fesdimac organizó como un merecido homenaje a su carrera profesional. Precisamente, después de ese homenaje, algunas horas después, sufrió el letal paro cardiaco.

En el primer Rey de Reyes

Julio César Rojas Buendía participó en la primera edición del Festival Rey de Reyes de Valledupar, en 1987, pero sus aspiraciones no pasaron de la semifinal. Los lauros se los llevaría Nicolás Elías ‘Colacho’ Mendoza, en el recordado certamen en el que Alejadro Durán, el ídolo del pueblo, se autoeliminó en la finalísima.

Intentó ganar de nuevo en 1993 en Valledupar, pero los integrantes del jurado calificador determinaron descalificarlo porque su cajero subió a la tarima acompañado de una caja con un parche de radiografía, lo que iba contra los cánones del Festival.

Aprendió la lección y regresó al año siguiente, secundado por el cajero Luis Reyes y el guacharaquero Edwin Machuca para ganar por segunda ocasión el Festival Vallenato. Sus oponentes en la finalísima fueron Ciro Meza y Freddy Sierra, segundo y tercero, en ese orden respectivo.

Con ese triunfo, Julio Rojas se constituiría en el segundo acordeonero profesional, después de Alfredo Gutiérrez, en ganar en más de una ocasión el Festival Vallenato en su edición ordinaria, es decir, sin incluir el Rey de Reyes.

Intentaría más tarde ganar una tercera corona, pero sus pretensiones resultaron infructuosas.

En la discografía de Julio Rojas se destacan trabajos con Ricardo Maestre, con Miguel Herrera, con Joaco Pertuz, con Enaldo Barrera ‘Diomedito’, con Juan Piña, con Lizardo Bustillo, con Gustavo Bula, y con Poncho Zuleta.

Con Ricardo Maestre, oriundo de El difícil (Magdaena), ya fallecido, dejó dos versiones muy bien logradas de Pena y dolor, de Alejandro Durán, y La muerte de Eduardo Lora, de Andrés Landero.

“Maestro, tenemos que reivindicar nuestra música sabanera. Tenemos que darle al Festival Bolivarense de acordeón de Arjona el puesto que se merece en la cultura popular de Colombia”, me dijo Julio Rojas. Más que una obsesión, esa era su meta suprema en la música.

En ese Festival tenía planeada una presentación con el trirrey vallenato Alfredo Gutiérrez.

“Es una obligación moral nuestra, como representantes de la Escuela Sabanera, aportar nuestro granito de arena para impulsar el Festival de Arjona”, recuerda Alfredo que le dijo Julio Rojas.

Poco antes de su muerte, en el grupo de Whatsapp ‘Amigos del Festival de Arjona’, Julio Rojas se constituyó en un férreo defensor de Poncho Zuleta ante el aluvión de críticas que fue objeto ‘El Pulmón de América’ por el famoso beso en la boca que se había dado con Silvestre Dangond, en una tarima de Valledupar. “Por favor, respetemos al maestro Poncho”, había clamado Julio Rojas.

El humor, otra de sus pasiones

Los que conocieron de cerca a este excelso digitador, coinciden en que se caracterizaba por tener un chiste a la mano para todo, y pocas veces lo vieron enojado.

Su buen sentido del humor lo llevó a convertirse en uno de los cofundadores de ‘Cheverísimo’, el programa humorístico más exitoso del canal regional Telecaribe, cuya primera emisión salió al aire en 1990. Su amigo y compañero de set en aquel entonces, Rony Laitano (Cara e’ Perro), contó detalles de esta faceta del fallecido Rey Vallenato:

“Junto a Álvaro Ariza y mi persona iniciamos este proyecto humorístico, en el que Julio amenizaba los chistes con su acordeón y además participaba como ‘policía’. Recuerdo que en una ocasión debía perseguirme con un bolillo, y un señor bien vestido se metió y abogó para que no me diera una paliza. Julio le explicaba que era la grabación de un programa, pero aquel hombre lo sacó de casillas al no entender lo que hacíamos”, rememoró Laitano. Tras la consolidación de ‘Cheverísimo’ se fueron integrando al elenco Darío Gómez, Rafael Zequeira, Mingo Martínez y Rafael Díaz, entre otros.

El noveno Rey en morir

Julio César Rojas Buendía fue el noveno rey del Festival de la Leyenda Vallenata en morir. Su nombre ingresó a la lista en la que figuran Alberto Pacheco, Alejandro Durán, Luis Enrique Martínez, Julio De la Ossa, Nicolás ‘Colacho’ Mendoza, Elberto ‘Debe’ López, Rafael Salas y Calixto Ochoa.

Fue sepultado en medio de canciones vallenatas en el cementerio Jardines de la Eternidad de Barranquilla. Además de su compañera sentimental Judith Pacheco Russo, le sobreviven cuatro hijos, todos músicos y llamados, como él: Julio Alejandro (cajero), Julio Mario (acordeonero), Julio Alfonso (guacharaquero) y Julio César (cantante).

La historia le tiene reservado su sitio de honor a este acordeonero de la estirpe del coronel Aureliano Buendía, que contribuyó con sus notas al engrandecimiento del folclor vallenato.